Wie der langjährige Kostümdirektor des New York City Ballets Mode in die darstellenden Künste bringt

Wie der Kostümdirektor des New York City Ballets Mode in die darstellenden Künste einbringt

Zum 75. Jubiläum des New York City Ballets hat Rizzoli mit Marc Happel, dem Kostümdirektor der Tanzkompanie in den letzten 17 Jahren, an einem neuen Buch namens “New York City Ballet: Choreography & Couture” zusammengearbeitet.

Die Idee kam Happel vor etwa fünf Jahren. Mit der Hilfe von kulturellen Megastars (wie Sarah Jessica Parker, die im Vorstand des NYCB ist) zwischen der Tanz- und Modewelt gelang es ihm erfolgreich, die enormen Talente der Mode mit den darstellenden Künsten zu vereinen. Durch seine etablierten Beziehungen zu den begehrtesten Designern und den Aufbau der Kostümabteilung der Tanzkompanie zu einer außergewöhnlichen Kraft ergab es nur Sinn, die Geschichte, wie Happel dies geschafft hat, zu erzählen.

Im Folgenden erzählt er mir, wie er in der Theaterbranche begonnen hat, warum Kostüme für Aufführungen absolut unerlässlich sind und was es brauchte, um dieses Buch zu machen.

Als Sie Ihre Karriere als Kostümbildner begannen, was hat Sie zur Theaterwelt hingezogen, im Gegensatz zu einer Karriere als beispielsweise Markendesigner?

Ich erinnere mich, als ich am Guthrie Theater in Minneapolis gearbeitet habe, hat mir ein Freund erzählt, dass ein neues Bob Fosse Musical namens “Dancing” am Broadway eröffnet wird und dass das Kostümstudio sehr im Rückstand sei und dringend Hilfe brauche. Wir sind mit einem Kombi nach New York gefahren und ich bin hierher gezogen, ohne wirklich zu wissen, was ich tun würde oder ob ich bleiben würde.

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Letztendlich habe ich bei “Dancing” mit Bob Fosse gearbeitet und gleichzeitig bin ich in eine der Modemetropolen der Welt gezogen. Also war ich zwischen den beiden hin und her gerissen, weil ich gerne in der Modeindustrie arbeiten wollte, aber eine Ausbildung im Theaterkostüm hatte. Letztendlich erschien mir Theaterkostüm sinnvoller, weil die historische Recherche, die in jedes Design einfließt, aufregend war. In der Mode hat es den Anschein, als würde man immer nach vorne schauen und die Vergangenheit nicht so sehr schätzen.

Wie überlappen sich aus Ihrer Sicht die Welten des Theaters und der Mode (zweifellos die beiden stärksten Gemeinschaften in New York)?

Oft kann man bei den ältesten Designern wie Dior sehen, dass ihre Inspiration von Ballettkostümen kommt. Sicherlich sieht man immer wieder Andeutungen des romantischen Tutus in der Mode – besonders in vergangenen Jahren.

Wie wichtig sind Kostüme in einem Ballett für die erzählende Wirkung auf der Bühne?

Im Theater ist es offensichtlich, weil man durch die Kleidung einer Figur hilft, diese zu erschaffen. Ich war bei Anprobe dabei, als ein Schauspieler das Kostüm zum ersten Mal angezogen hat, und er zu mir sagte: “Jetzt kann ich die Figur, die ich spiele, sehen.” Viele Leute im Ballett sind der Meinung, dass Kostüme nur im Weg sind. Viele Choreografen und Tänzer sind der Meinung, dass ein Kostüm so einfach wie möglich sein sollte, weil sie die volle Linie des Körpers sehen wollen.

Aber ich denke auch, dass Kostüme dem Publikum viel über den Ort, die Tänzer und die Zeitperiode des Balletts verraten können. Wenn sich der Vorhang hebt und man die Kostüme für Wiener Walzer sieht, weiß das Publikum sofort, wo es sich befindet.

Wie sehen die Anfangsstadien der Zusammenstellung und Gestaltung von Kostümen für ein Ballett aus?

Meistens bringt ein Choreograf selbst einen Designer mit, aber ich arbeite mit ihnen zusammen, um ihre zweidimensionalen Zeichnungen in dreidimensionale Kostüme zu verwandeln – Stoffe auswählen, Anproben machen, den Designer anleiten, wenn er noch nie zuvor für Tanz gearbeitet hat. Es ist sehr unterschiedlich, für einen Tänzer zu entwerfen: Sie sind Athleten, also musst du es ihnen ermöglichen, darin zu tanzen. Es ist ein großartiger Prozess, den ich wirklich genieße.

Sie hatten die Möglichkeit, mit vielen renommierten Designern zusammenzuarbeiten – wie ist es, mit denen zu arbeiten, die noch nie zuvor Tanzbekleidung gemacht haben?

Ich nehme sie oft zu Proben mit, was für sie sehr aufschlussreich ist, weil sie genau sehen können, was diese Tänzer tun und wie athletisch es ist. Danach besprechen wir, wie Dinge, die normalerweise aus einem nicht-dehnbaren Stoff hergestellt werden, aus einem dehnbaren Stoff hergestellt werden können. Zum Beispiel, wenn sie Seide oder Organza verwenden wollen, gibt es weniger bekannte dehnbare Versionen dieser Stoffe, die wir verwenden.

Gibt es besondere Herausforderungen, denen sich Nicht-Tanzdesigner anpassen müssen?

Viele Choreographen möchten die Linien des Körpers sehen. Sie möchten die volle Ausdehnung und jede Bewegung sehen, was etwas ist, bei dem ich Designern helfen muss zu verstehen: Kostüme müssen etwas weniger sein.

Gibt es eine Zusammenarbeit mit einem Designer, die Sie als Ihren Favoriten oder den unvergesslichsten betrachten?

Es gab so viele, die so angenehm und lohnend waren, aber Valentino [Garavani], der unser erster Couture-Partner war, war aufregend. Er ist die Definition eines Modeikons. Er wollte ständig involviert sein, was ich nicht erwartet hatte. Ich habe auch sehr gerne mit Thom Browne und Giles Deacon zusammengearbeitet, mit denen ich sehr gute Freunde geworden bin.

Iris Van Herpen war ein weiterer erstaunlicher Partner. Das war lustig, weil wir das meiste davon am Computer gemacht haben. Sie hat mir so viele Diagramme und E-Mails geschickt, wie das Kostüm gemacht werden sollte. Sie war jedoch sehr zufrieden mit dem Ergebnis, obwohl alles über den Computer lief.

Wie entstehen diese Beziehungen zwischen Choreographen und Designern normalerweise?

Im Laufe der Jahre hat sich das wirklich zu einer Situation entwickelt, in der ich gebeten wurde, eine Liste von Designern zusammenzustellen, die ich interessant fand. Normalerweise wurde jeder Designer von Sarah Jessica Parker genehmigt, und dann haben wir etwa acht oder zehn von ihnen dem Choreographen vorgestellt.

Parker ist schon seit einiger Zeit in unserem Vorstand und eine große Unterstützerin des New York City Ballet. Als wir zum ersten Mal Designer in die Zusammenarbeit mit der Company brachten, fand die New York Fashion Week im Lincoln Center statt. Wir dachten, es wäre eine interessante Zusammenarbeit zwischen aufstrebenden Designern und Choreographen.

Wie war die Bildauswahl für dieses Buch? Welche Ideen wollten Sie unbedingt präsentieren?

Ich wollte definitiv die Abschlussfotos mit den Skizzen jedes Designers kombinieren, damit der Leser sehen kann, wie diese Ideen zum Leben kamen. Ich habe auch viele Zitate von Designern, Choreographen und Tänzern eingefügt, um Einblick darin zu geben, wie es ist, für das NYC Ballett zu entwerfen.

Wir haben eine Woche lang alle Bilder mit Pari Dukovic fotografiert. Von dort aus habe ich mit Sarah Gifford, einer brillanten Buchdesignerin, zusammengearbeitet. Ich mochte ihre Art, Bücher zusammenzustellen, und sie war sehr geduldig mit mir, weil ich eine sehr klare Vorstellung davon hatte, wie dieses Buch aussehen sollte. Sie war für alles offen. Sie hat gelacht, als ich sie zum ersten Mal traf, weil ich gesagt habe: “Ich möchte keine weißen Seiten. Ich möchte, dass es wie eine Schmuckschatulle ist, wenn man sie öffnet.”

Gibt es eine übergeordnete Botschaft, die Sie den Lesern vermitteln möchten?

Ich möchte, dass die Menschen sehen, was Kostüme im NYC Ballett bedeuten. Ich glaube, viele Leute sehen oder verstehen nicht wirklich, wie unglaublich der Prozess ist. Dieses Buch feiert die unglaubliche Vielfalt an Designern, Gedanken, Silhouetten und mehr, die aus der Kostümwerkstatt des NYC Balletts stammen. Die Künstler, die hier arbeiten, sind die unbesungenen Helden des Balletts.

Wie würden Sie einem jungen Kostümbildner heute empfehlen, in die Branche einzusteigen?

Vernetzen Sie sich auf irgendeine Weise mit der Geschichte. Schauen Sie sich die Vergangenheit an. Ich denke, jetzt geht es darum, in die Zukunft zu schauen, aber vieles davon basiert auf dem, was in der Vergangenheit bereits wunderschön gestaltet wurde.

Dieses Interview wurde für Klarheit bearbeitet und gekürzt.

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